汉斯·乌尔里希·奥布里斯特，1968年出生于瑞士苏黎世，是当代艺术界的知名策展人和批评家。他担任伦敦蛇形画廊联合总监，策划发起150多个展览与项目，并编撰70多本学术著作。奥布里斯特的著作包括《策展之道》、《关于策展的一切》、《策展简史》和《做》等，对当代艺术界产生了深远影响。

面对当代艺术，一百个人，会有一百种解读。
策展人奥布里斯特自20世纪80年代起，就开始有意识地采访接触到的艺术家，并记录下来，至今已经积累了近2000小时的录音素材。谈笑中，《当代艺术的十九副面孔——大师与我们的时代》收录的是他与19位（组）当代重要艺术家和建筑师的对话，其中包括大卫·霍克尼、吉尔伯特和乔治双人组、格哈德·里希特、路易丝·布尔乔亚、雷姆·库哈斯、奥斯卡·尼迈耶、扎哈·哈迪德，等等。他们都是（或生前曾是）当代艺术界举足轻重的人物，如被誉为“英国艺术教父”的大卫·霍克尼，当代重要的女性主义艺术家路易丝·布尔乔亚，“行为艺术之母”玛丽娜·阿布拉莫维奇，建筑风格独特又备受争议的建筑师雷姆·库哈斯、扎哈·哈迪德，曾参与修建巴西新首都巴西利亚的奥斯卡·尼迈耶，等等。
在轻松的谈话中，艺术家与建筑师阐述了自己创作中面对的个人及社会问题，具体作品的创作思路，未来的创作计划，乃至对年轻艺术家的建议，等等。通过此书，我们得以看到他们的灵感来源，了解背后的创作故事。
本书的写作方式，受到文艺复兴时期艺术史家乔尔乔·瓦萨里《名人传》的启发，没有区分艺术家和建筑师，而是将这些同代人视作历史人物进行记录。而事实上，当代艺术家和建筑师早已突破学科的藩篱，在多个领域进行着跨界实践。无论从写作方式还是内容来看，这本书都“很当代”！
19篇对话，19位（组）艺术家，浓缩了当代艺术的19种面貌，折射出当代艺术的丰富形态。我们亦可以通过艺术家之眼，审视我们生活的时代。

汉斯·乌尔里希·奥布里斯特（Hans Ulrich Obrist），1968年生于瑞士苏黎世，伦敦蛇形画廊联合总监，是活跃于当代艺术界的著名策展人和批评家，两度被英国权威艺术杂志《艺术观察》评为“艺术界最有影响力的人物”。奥布里斯特迄今曾参与策划和发起了150多个展览与项目，编撰有70多本学术著作。著有《策展之道》《关于策展的一切》《策展简史》《做》等。

大卫·霍克尼是一位对科技和数字技术充满兴趣的艺术家。他在三个不同的工作室中进行了创作，不仅关注绘画，还涉猎电影和图书等媒介。他利用iPhone和iPad创作数字绘画，并探讨了大众媒介和社交媒介的力量，以及科技如何改变艺术界和媒体。

霍克尼关注电影《大都会》中群体与个体的表现，认为新技术赋予了个体更多力量。他也讨论了报纸和电视受众的减少，以及新媒体如推特和谷歌快讯的影响。在洛杉矶，他分享了自己的肖像画创作过程，并对凡·高的作品有所启发。

霍克尼对摄影与绘画的关系有独到见解，他认为摄影不是真实记录世界的最佳方式，而是缺乏表现空间的平面图像。他强调绘画的独特价值，并通过光学实验证明布鲁内莱斯基的透视法并非源自摄影，而是源于自然在眼中的投影。他还探讨了图像复制技术的发展，如传真机和Photoshop，指出这些技术对艺术创作的影响。

霍克尼的创作经历涵盖了绘画、摄影和诗歌等领域。他与诗歌有着紧密的联系，尤其受到美国诗人惠特曼和华莱士·史蒂文斯的影响。他担忧摄影逐渐取代绘画，并讲述了从摄影回归绘画的过程。他还分享了自己对自然景观的观察和创作。

霍克尼在绘画中融合了传统手工技艺与现代科技手段，如先拍照再绘画，并利用电脑技术完成大尺寸画作。他强调艺术家的主观性和作品的原创性，并认为艺术家有权对任何作品进行改造。他还谈到了自己对色彩和艺术历史的见解，以及对未来悲观与乐观情绪的看法。

霍克尼的作品和思想表达了他对艺术、生活和历史的独特见解。他珍视家庭和朋友关系，并通过不同的创作方式来表达自己的思想和情感。

1 大卫·霍克尼

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多米尼克·冈萨雷斯-弗尔斯特的艺术创作历程和思想深受其早年经历和所见所闻的影响。90年代早期，她受卡地亚基金会邀请赴法国茹伊昂若萨创作，这让她回忆起成立美术馆的经历和冈萨雷斯-弗尔斯特在她展览中的重要性。她关注城市空间的研究，强调潜能空间的重要性，并以日本为例，分享了对日本的情感和创作灵感。

在与奥布里斯特的对话中，冈萨雷斯-弗尔斯特分享了对她影响深刻的展览，如“非物质”和“寻找总体艺术”，并表达了对环境概念的偏好。她探讨了艺术与商业环境的关系，以及艺术家的多重身份和创作路径。她还提及了与帕雷诺合写的科幻小说、参与艺术节和雕塑项目等未来项目。

贝多芬的《第六交响曲》在《绿色食品》中的运用展现了独特的艺术效果。排练期间，音乐家们的离场场景令人感动，他们带着乐器和随身物品，仿佛即将踏上回家的路。冈萨雷斯-弗尔斯特提到，这种自由度使得他们的离开更为有力，整场表演也充满快乐。她强调了时间元素在艺术创作中的运用，认为时间与叙事密切相关，通过制造一种陷阱，让观众多花时间去思考艺术。在谈到合作时，她强调了异质性在艺术中的重要性，认为艺术是带有社交性的，而群体艺术则吸纳了诸多来源，这是其有可能引发的最令人兴奋的事情。

格勒诺布尔的地理位置和重要性，以及劳厄-朗之万研究所的历史和意义，文中详细介绍了20世纪多位著名的建筑师、艺术家和作家，如勒·柯布西耶、唐纳德·温尼科特、冈萨雷斯-弗尔斯特等，以及他们在各自领域的贡献和影响力。文中还提到了一些艺术博物馆、策展人和艺术家，如圣保罗艺术博物馆、全名为Animation Recherche Confrontation的巴黎现代艺术博物馆等，展示了当代艺术的多样性和丰富性。同时，也提到了一些历史学家、电影导演和作家，如艾瑞克·霍布斯鲍姆、曼努埃尔·德·奥里维拉、恩里克·比拉-马塔斯等，展示了不同领域的杰出人物。

2 多米尼克·冈萨雷斯-弗尔斯特

伊莲·斯图尔特文对斯宾诺莎哲学有着深入研究，并计划创作以斯宾诺莎为主题的音乐剧《斯宾诺莎》。在阅读《知性改进论》时，尽管她深受影响，但仍觉得斯宾诺莎的作品既乏味又自相矛盾。然而，这并未阻止她挑战自己，着手创作歌剧剧本，旨在通过这种形式呈现斯宾诺莎的思想。她讨论了在剧中运用声音的方式，以及如何利用声音和音乐来展现斯宾诺莎的性格和思想。

斯图尔特文与评论家奥布里斯特的对话，主要围绕她的作品和创作理念。她提到了作品常被误解为复制品的问题，并分享了在纽约和巴黎的工作经历。自2000年起，她开始拓展到视频和电影素材，并计划进入歌剧领域。在对话中，斯图尔特文表达了对艺术目标的看法，认为艺术更像是初级娱乐，并提到了“白人出局”的观点。她还讨论了《斯宾诺莎在拉斯维加斯》等作品的创作背景和意义。

奥布里斯特询问斯图尔特文是否有尚未实现的项目，她表示没有，并分享了自己对迈克尔·海泽《双重否定》项目的看法。斯图尔特文对德勒兹哲学有着深刻的理解，并谈到了与德勒兹的相似之处，以及早期作品中关于重复和差异的思考。这些经历和思考构成了她独特的艺术风格和创作理念。

3 伊莲·斯图尔特文

欧内斯特·曼可巴的艺术生涯始于南非矿工家庭，他于福特海尔大学学习期间开始了对艺术的探索，之后离开南非，赴欧洲追寻艺术梦想。在巴黎，他与丹麦艺术家们相遇，并加入CoBrA团体，成为其中的一员。他的作品在具象与抽象之间游走，深受非洲传统和现代艺术的影响。

曼可巴认为艺术的核心在于能否传达内心的情感，而非仅仅局限于形式。他批评了欧洲艺术中过于哲学化的倾向，认为这种二分法在生命本质层面造成了分化，对人类身份认同产生了负面影响。他强调艺术应超越种族和文化的界限，关注人类共同的精神表达。

曼可巴在绘画中探索具象与抽象形式，追求简洁、有力、大胆的表达。他的创作受到非洲、欧洲以及极地探险家库纳德·拉斯穆森的影响。此外，他渴望实现白人和黑人之间的共同理解和接受，认为这是当务之急。

曼可巴始终坚定地追求艺术与政治的结合，希望通过艺术为非洲人的解放而奋斗。尽管他的作品在艺术界并未得到应有的重视，但他从未放弃自己的信念。他坚信，艺术可以成为连接不同文化、种族和身份认同的桥梁，为人类共同的精神家园贡献力量。

4 欧内斯特·曼可巴

费利克斯·冈萨雷斯-托雷斯的艺术创作理念，他通过作品探讨了个人经验与公共议题之间的联系。例如，他在《无题（护照#1）》中，用白色纸张和观众的互动来探讨文化中人的定义和自我意识的构建。在MoMA的项目中，他将床这一私人空间放置在公共空间，反映了私人空间和公共空间的模糊界限。他还通过《无题（肖像）》等作品，用文字而非图像来构建肖像，让观众自己想象图像，强调作品的意义在于观众的参与和解读。他的作品往往具有无限性，不断在生产和去生产中存在，体现了对艺术和生活的深刻思考。



5 费利克斯·冈萨雷斯-托雷斯

弗兰克·盖里，一位深受阿尔瓦·阿尔托启发的建筑师，他的成长轨迹充满了艺术与建筑的熏陶。他在洛杉矶的艺术圈中活跃，与艺术家们建立了深厚友谊。盖里坚信艺术与建筑间的相互影响，认为建筑应与社区产生联系，肩负社会责任。他的设计作品，如毕尔巴鄂古根海姆博物馆，融合艺术与建筑，展现了其独特的风格与理念。

盖里在设计过程中，注重与客户的沟通及与艺术家的合作，认为这些交流有助于提升作品质量。他的航海经历也启发了他的建筑设计，认为两者都需要与自然和环境相互作用。

在与奥布里斯特的对话中，盖里强调了建筑与艺术的关系，认为建筑应与艺术融合，而非仅仅作为展示工具。他分享了在维也纳艺术史博物馆和韩国三星公司画廊的经历，指出环境对作品感觉的影响。他还提到策展人应理解建筑与艺术的关系，避免将美术馆空间变成无菌箱。

盖里讨论了伦敦的约翰·索恩爵士博物馆，认为其展示了已丢失的精神，并应重新考虑。他分享了与菲利普·约翰逊的对话，强调单间建筑的重要性，并讲述了自己寻找建筑领域真实瞬间的经历。他还讨论了偶然性在建筑设计中的作用，认为科学家和建筑师的工作都有偶然性。

盖里提到了一个未能建成的遗憾项目——华盛顿柯克兰美术馆，并给出了对年轻建筑师的建议。他还讲述了与艺术家的交往，以及毕尔巴鄂美术馆项目的背景和灵感来源。

盖里认为建筑不应过分设计，而应符合自然和生活的有机体。他举例说明了弗兰克·劳埃德·赖特和密斯·凡·德·罗的传统，但他们为他设计的椅子摆放位置并不感兴趣。他更关注建筑本身，而不是周边设计。

盖里分享了与说唱艺术家Jay-Z的趣事，向其介绍了詹姆斯·乔伊斯，并寄去了乔伊斯的全集。他还谈到了布鲁诺·陶特和赫尔曼·芬斯特林的作品，以及他最感兴趣的埃里克·门德尔松的作品。他认为，建筑是服务业，建筑师需要尊重委托人，同时确保建筑在技术上可实现。

盖里在艺术、政治、音乐和旅行等方面都有自己的见解，展现了他对生活的热爱和对艺术的追求。文章还涉及了爱尔兰作家詹姆斯·乔伊斯、爱尔兰摇滚乐队U2的主唱波诺、美国雕塑家约西亚·麦克尔赫尼、德国建筑师布鲁诺·陶特和埃里克·门德尔松等人物。此外，还介绍了米开朗基罗的委托人教皇尤利乌斯二世、美国政治人物莎拉·佩林、美国艺术家丹·格雷厄姆等。最后，提到了英国作曲家托马斯·阿迪斯、芬兰管弦乐队指挥艾萨-帕克·萨洛宁以及芬兰指挥家、作曲家马格尼丝·林蒂博格。

6 弗兰克·盖里

格哈德·里希特的艺术理念强调艺术应具备交流功能，而非单纯追求形式美感。他重视从日常生活、媒体和现成品中汲取灵感，并将偶然性、摄影等元素融入作品中。他认为艺术是一种逃离，既不是对过去的怀旧，也不是对未来的乌托邦式逃避。在创作过程中，里希特强调作品的多样性和变化性，主张开放性和偶然性，并探讨艺术与空间、建筑的关系。

在与访谈者奥布里斯特的对话中，里希特分享了油画和素描的创作过程，从拍摄调色板纹理到创作大幅作品。他还谈论了委托创作与个人创作的关系，以及从建筑、教堂窗户和《战争剪报》等获得创作灵感。作为无神论者，里希特认为教会对他有重要价值。他的绘画作品受到音乐、艺术和偶然性的影响，对未来创作充满期待。

在讨论艺术家身份、原创性与社会语境的关系时，里希特强调艺术应具有社会功能。他认为艺术创作不应受限于固定模式和可控计划，而应保持开放性和偶然性。此外，他还探讨了艺术与空间的关系，强调艺术作品与空间的相互作用。

同时，文章介绍了多位艺术家的生平和艺术风格。雅尼斯·库奈里斯以废旧品为媒介，被誉为“贫穷艺术家”；安塞尔姆·基弗是德国新表现主义代表，作品媒介丰富；恩佐·库奇是新达达主义运动成员，也是激浪派创始人之一。德国早期浪漫主义风景画家卡斯帕·大卫·弗里德里希、德国建筑师奥斯维德·马西亚斯·安格斯、西班牙超现实主义画家胡安·米罗等，以独特的视角和手法为艺术界带来了丰富多彩的视觉盛宴。

7 格哈德·里希特

吉尔伯特与乔治，两位在伦敦拥有工作室的艺术双人组，他们的创作经历充满独特与深刻。他们的工作室宛如一个博物馆，内藏各式物品，从花瓶到色情杂志，无所不有。他们将创作过程视为一次朝圣，视电脑为艺术蓝图的新工具。在艺术展览方面，他们主张掌控每一个细节，包括邀请函和展览目录，旨在通过艺术创作触动中产阶级，并试图影响世界。他们也在苏联和中国举办过展览，强调艺术作品全球传播的重要性。

吉尔伯特与乔治的作品灵感来源于独特的艺术手法和深刻的生活体验，他们的创作深刻地反映了社会、人生和艺术的独特见解。在访谈中，他们分享了自己的创作方法、艺术理解和生活态度，展现出艺术家的个性与魅力。他们回顾了自己的艺术生涯，分享了创作过程中的挑战与收获，访谈中充满了幽默与智慧。

吉尔伯特与乔治的作品以涂鸦、镜像等手法挑战传统和禁忌，创造出独特的视觉语言。他们的作品充满幽默与讽刺，不仅反映社会现象，还展现了他们独特的审美观。在访谈中，他们分享了自己创作过程中的灵感和思考，以及对艺术、城市和生活的独特见解。他们认为，艺术创作不仅仅是追求意义，更是勇敢地表达自我，挑战常规，为观众提供全新的观看方式。

在生活和工作状态方面，乔治和吉尔伯特以独特的合作方式，通过电脑技术进行艺术创作，摆脱了传统暗房工作的束缚。他们坚持每天重复相同的日常生活，将演变视为比重复更重要。在艺术创作中，他们关注日常生活中的细节，并通过艺术实现自己的想象。他们强调艺术应服务于大众，并认为艺术创作是一个持续的旅程，永远在凝视深渊，探索未知。谈及未实现的项目时，他们表示没有宏大的计划，只是一步一个脚印，继续创作。

8 吉尔伯特与乔治双人组

路易丝·布尔乔亚的艺术创作和对“外围人物”的深入思考。她通过艺术作品展现了生活中那些看似不重要的人物，如何在特定的时刻成为核心，并对她产生影响。布尔乔亚认为，外围人物在中心和边缘之间摇摆，在显现与消失之间游移，而她通过对这些人物的重新定义，赋予了她们新的意义。此外，布尔乔亚还探讨了水的象征意义，以及水资源在自然灾害中的角色，以及与作家盖里·印第安纳、翠西·艾敏等人的合作，展现了她在艺术领域的广泛涉猎和持续创新。



9 路易丝·布尔乔亚

玛丽娜·阿布拉莫维奇是一位偏爱无物品的想象美术馆的艺术家，她坚信艺术的价值在于艺术家的想法。她举例了一些无法收藏的作品，如隐形作品、呼吸作品和低语作品，这些作品强调了艺术的空间能量和公众与艺术家之间的互动关系。阿布拉莫维奇分享了她的个人经历，从与乌雷的艰苦生活到艺博会的市场环境，再到她对未来艺术的看法。她认为美术馆应成为实验空间，允许艺术家进行实验和失败。

在阿布拉莫维奇与策展人奥布里斯特的对话中，她谈到了自己的行为艺术作品《天使之城》的创作经历，强调了公众参与艺术作品的重要性。她讨论了艺术家谢德庆和罗曼·欧帕卡的作品，认为艺术家应追求改变而非停滞不前。此外，她还表达了对环境问题的担忧，以及对艺术家过度消费和浪费资源的批评。

阿布拉莫维奇创作“玛丽娜·阿布拉莫维奇在场”这一项目的灵感来源于四十年行为表演艺术的发展以及她长期的工作经验。她回忆起1979年与澳大利亚原住民一起生活的经历，以及童年时期在父母严格管教下成长，这些经历塑造了她对艺术创作的态度。她还讲述了在阿姆斯特丹的经历，以及她如何在那里重新思考创作限制，并最终在艺术领域找到了自己的位置。

阿布拉莫维奇的艺术理念强调艺术家的想法和公众参与，她关注环境问题，提倡艺术家的责任和创造力。她的个人经历和创作过程为她的艺术理念提供了丰富的素材。通过分享她的想法和经历，阿布拉莫维奇为观众呈现了一个真实、充满激情和思考的艺术世界。

10 玛丽娜·阿布拉莫维奇

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莫妮尔·沙鲁迪·法曼法玛恩是一位在伊朗出生的艺术家，她的艺术生涯始于伊斯兰艺术的熏陶。在伊朗的成长经历，让她对伊斯兰几何图像产生了深厚的兴趣。后来，她赴美深造，并在美国艺术界结识了众多知名艺术家，如波洛克和德·库宁。在美国，她受到了西方现代艺术的启发，并形成了自己独特的艺术风格。这种风格结合了伊斯兰艺术的神秘色彩和西方现代艺术的创新精神。

法曼法玛恩的艺术作品深受伊斯兰几何图像的影响，她擅长运用镜子和玻璃进行创作，形成了独特的视觉效果。她回到伊朗后，对本土艺术进行了深入研究，并在作品中融入了伊朗文化元素，使得她的作品成为了伊朗当代艺术的重要代表。

然而，法曼法玛恩的童年记忆和战争的经历也深深影响了她的创作。她目睹了战争的残酷场景，感受到了生死之间的模糊界限，以及战争如何改变了人们的生活。尽管她试图忘记这些痛苦，但重返切尔诺贝利让她意识到，自己无法逃避过去的创伤。过去的痛苦再次浮现，未来的不确定性让她感到迷茫。

在创作中，法曼法玛恩将这些深刻的记忆和感受融入作品，展现出了战争的残酷和人性的脆弱。她的作品既有伊斯兰艺术的神秘色彩，又有西方现代艺术的创新精神，成为了伊朗当代艺术的重要标志。

法曼法玛恩的艺术生涯，既是对伊斯兰艺术和西方现代艺术的融合，也是对战争和痛苦经历的反思。她的作品让我们看到了艺术的力量，以及艺术家如何通过创作来表达内心的痛苦和对美好生活的向往。

11 莫妮尔·沙鲁迪·法曼法玛恩

南希·斯佩罗是一位充满激情与探索精神的艺术家。她的艺术生涯始于阿拉斯加印第安部落的启发，逐渐发展为对古希腊神话元素的再创作，并在文本与图像之间建立了复杂的关系。斯佩罗的作品聚焦于女性、战争和受难者，采用拼贴、装置和壁画等手法，对神话和历史进行重写，体现了对艺术界限的挑战和对现有文化的批判。

近期，斯佩罗在作品中运用强烈的色彩与情绪关系，以《黑与红Ⅲ》为例，借鉴纹章旗的形式，展现了女性强大的实体存在。她关注乌托邦概念与人类幸福的缺失，并在面对社会问题时展现出勇敢的态度。在创作过程中，斯佩罗深入思考女性地位、战争与政治，将个人经历融入作品。

斯佩罗认为自己的作品如同一种语言，其中女神既是语言的创造者，也是语言的载体。她的作品融合了图像与文本，形成独特的表达方式。在《黑色绘画》系列中，她通过在明亮颜色上使用深色颜料，呈现出强烈的视觉冲击力。这些作品被视为存在主义，展现了女性在当代社会中的处境。

斯佩罗的作品具有强烈的政治意识，同时也不失个人情感的抒发，展现了独特的艺术风格。在访谈中，她还与同行们探讨了艺术家与机器人的关系、布莱希特诗歌的启示以及艺术界的现状等问题。这些讨论深入展现了艺术家对艺术的深刻思考和社会责任感。

12 南希·斯佩罗

在探讨城市建筑与建筑设计理念时，两位世界级建筑大师奥斯卡·尼迈耶和诺曼·福斯特分享了他们的观点和作品。尼迈耶以巴西利亚和潘普利亚的早期作品，以及西班牙和德国的新项目为例，展示了他的设计理念。他强调建筑师应深思熟虑后再动笔，探索合适的形式，并尝试以各种方式运用混凝土。尼迈耶认为每位建筑师都应拥有自己的建筑学，自由地开展项目。他主张建筑不仅是艺术，更是为更美好的世界和帮助穷人而存在的工具。在设计作品时，他注重保护景观，使建筑与周围环境和谐共处。尼迈耶的设计理念关注生活，强调建筑师应对世界性问题、对贫穷有深入了解，并敞开心胸拥抱生活。

福斯特则介绍了他在马斯达尔的生态城市设计，突出了曲线在建筑设计中的重要性，并探讨了建筑的创造性和功能性。两位大师还讨论了建筑如何影响城市和社区，以及建筑师的职责和目标。

尼迈耶的设计理念中，混凝土的应用是其一大特色。他提倡建筑师在思考之后再动手画图，寻找合适的形式。他认为，每位建筑师都应拥有自己的建筑学，自由地开展项目。在谈到建筑时，尼迈耶强调其不仅仅是艺术，更是为了更美好的世界和帮助穷人。在设计作品时，他注重保护景观，使建筑与周围环境和谐共处。

尼迈耶的设计理念充满对生活的理解和关注。他认为，建筑师应对世界性问题、对贫穷有深入了解，并敞开心胸拥抱生活。他强调，政治在建筑设计中尤为重要，尤其是在面对无人抗议的污秽混乱之时。

福斯特在对话中提到了他在马斯达尔的生态城市设计，强调了曲线在建筑设计中的重要性。他还探讨了建筑的创造性和功能性，以及建筑如何影响城市和社区。两位大师的讨论展现了他们对建筑领域的深刻理解和关注。

通过这次对话，我们了解到两位建筑大师在建筑设计理念上的共通之处，以及他们对建筑事业的热忱。尼迈耶和福斯特的作品和理念为我们提供了丰富的启示，让我们对建筑设计有了更深入的认识。

13 奥斯卡·尼迈耶和诺曼·福斯特

菲利普·帕雷诺，一位注重对话和创作实践的协作型艺术家，与汉斯·乌尔里希·奥布里斯特进行了深入的对话。对话内容广泛，包括展览策划、虚拟现实项目、电影制作等。帕雷诺的作品涉及对图像与现实的探讨、展览空间与观众的关系，以及艺术与技术的融合。

在对话中，帕雷诺阐述了艺术与展览的紧密联系，认为艺术离不开展览，展览是创造行为，能够改变艺术家的命运和孩子们的未来。他还探讨了艺术家与建筑师的合作模式，认为游戏和渴望是合作的动力。帕雷诺强调图像链在艺术创作中的重要性，并讨论了艺术史中展览的失忆问题。

帕雷诺与奥布里斯特的对话还涉及版权、著作权历史以及艺术创作的不同形式。他分享了“安丽”项目如何赋予作者自主权，并讨论了版权历史与个人主义、自由主义的关系。帕雷诺还讲述了在格勒诺布尔的经历，以及如何通过电影《信任》来探讨社会变迁和个体记忆。

帕雷诺的新项目“萤火虫”是他由绘画向外衍生的首个项目。该项目在阿尔勒的阿尔松别墅公园实施，通过布置假萤火虫来表达对环境和思想意识形态变化的反思。帕雷诺还计划与头足类动物、机器人及自动装置合作，探索创造性的新方式。他认为创作过程逐渐从写作转向了用图片表达，享受这种给予和分享的过程。

帕雷诺的作品不仅限于绘画，还涉及电影、虚拟现实等领域。他的创作灵感来源于自然、动物、社会变迁等多个方面。通过这些作品，帕雷诺试图表达对现实世界的关注和思考，同时也为观众带来独特的艺术体验。

14 菲利普·帕雷诺

雷姆·库哈斯与汉斯·乌尔里希·奥布里斯特的对话聚焦于库哈斯对欧洲文化的思考，特别是他参与“欧洲图像”项目的过程。该项目由欧盟委员会主席和比利时总理发起，旨在创建一个展示“欧洲”文明的博物馆。库哈斯和团队认为，传统博物馆过于沉闷，于是提出了虚拟博物馆的概念。他们通过分析布鲁塞尔的“欧洲”特质，研究图像学在现代的作用，并探索欧盟的未来方向。

库哈斯强调，欧洲的多语言性和文化多样性是全球化的挑战与机遇。在建筑与城市化关系上，他认为建筑追求控制，城市化则是控制尝试的失败。建筑并非为了颠覆而存在，颠覆只是一种风格。他探讨建筑与都市化之间的对立，并指出建筑有其内在的阻力，无法达到特定的速度。他还提到，建筑物的使用寿命应根据其价值而非时间来决定。

此外，库哈斯分享了自己对图书馆和美术馆在互联网环境下的作用及实体与虚拟关系的看法。柏林的现代化与复古并存的城市建筑特色，以及库哈斯和奥布里斯特关于城市建筑、空白区域、参与式建筑等话题的深入讨论。库哈斯认为柏林的空白区域是其现代化的重要标志，城市建筑应关注效率问题。他还分享了自己设计波尔多住宅的灵感，强调考虑使用者的优势和潜能。

奥布里斯特则探讨了城市参与式发展问题，认为建筑设计应让使用者有参与感。库哈斯还讲述了为哈佛设计的“城市项目”以及与音乐、作曲世界的对话，展现了其跨学科的建筑实践。

15 雷姆·库哈斯

理查德·汉密尔顿对美术馆建筑有着独特的见解，他强调美术馆应适合展示艺术作品，而非建筑师的主观设计。他批评了许多建筑师在美术馆设计上的失败，并以纽约古根海姆博物馆和巴塞罗那当代美术馆为例，对其进行了评价。汉密尔顿还关注艺术与技术的结合，认为艺术家需要有实现自己愿景的技术手段。他特别提及自己对装置艺术的兴趣，并介绍了通过模型和展览展示艺术作品的方法。

此外，汉密尔顿探讨了艺术与时间的联系，以及在创作过程中的思考。在白教堂艺术馆的“这就是明天”展览中，一个由建筑师、画家和雕塑家组成的团队策划了这场展示波普艺术和流行文化的展览。约翰·沃勒克设计的“趣味屋”装置成为了焦点，它通过视觉错觉和流行文化元素的结合，展现了电影、音乐、科幻等流行文化对人们视觉环境的影响。展览中，自动点唱机、太空舱等细节将声音、视错觉和视觉意象融合在一起，创造出独特的艺术体验。

16 理查德·汉密尔顿

妹岛和世与西泽立卫的建筑合作始于日本，1995年他们共同创立了SANAA建筑事务所。他们的设计理念注重建筑与环境的和谐统一，公共空间的塑造，以及对艺术和历史的敬重。在访谈中，他们阐释了对美术馆设计的见解，如何通过空间设计打造独特的参观体验。同时，他们也探讨了与艺术家的合作，如何将艺术融入建筑设计，以及对历史与时间的思考。他们的作品遍布全球，体现了对多元文化的理解和尊重。

在建筑设计和展览策划方面，西泽立卫和妹岛和世两位建筑师有着独到的理念和创作过程。他们强调建筑与自然、环境、人的关系，认为建筑应向户外开放，成为无界限的自由空间。此外，他们在威尼斯建筑双年展中的策展经验也颇丰，强调多样性和多重视角在空间设计中的重要性。他们还分享了与艺术家合作的经验，并表达了对未来建筑和生活方式的思考。

17 SANAA 建筑事务所

提诺·赛格尔是一位将行为艺术与经济学融合的艺术家，他的创作理念在于通过舞蹈和编舞来探讨人类文明面对的匮乏和自然威胁。他认为艺术创作应转化为动作以获得意义和关系，而非创造物品。他的作品通常不聚焦于具体历史人物，而是关注如何进入社会并表现自己。赛格尔的作品具有独特性，他通过保安的行为、观众的反应等元素来传达作品的意义，并反对将艺术对象物质化，尝试将作品去物质化，通过公证来确认版权归属。

在与奥布里斯特的对话中，赛格尔分享了他将艺术作品去物质化的经历，以及如何通过公证和口头合约进行交易。他还探讨了平行现实的概念，艺术创作与政治的关系。在合作方面，赛格尔对合作概念持疑虑态度，强调艺术与艺术史的合作。此外，他还讨论了市场在艺术中的作用，对乌托邦的看法，以及21世纪艺术运动的兴起和社会阶级、文化的变化。赛格尔提出21世纪更像是一场对话，而非一次宣言，并探讨了政治再政治化的必要性，强调文化价值观在艺术创作中的重要性。

在讨论艺术展览时，赛格尔强调关注个体观众的艺术体验，认为展览应更多关注人而非事物。他还讨论了美术馆的历史角色，以及艺术作品作为观众“表演道具”的意义。赛格尔还分享了关于宣传和复杂性的看法，认为技术不应成为文化发展的决定性因素，并强调了个性复杂化的重要性。他还提到了为收藏家创作作品的经历，以及作品《那些想法》的创作背景。最后，赛格尔探讨了标题在作品中的作用，认为标题是作品的一部分，能引导观众进入作品的世界。

18 提诺·赛格尔

扎哈·哈迪德，作为一位杰出的建筑师，深受俄国至上主义艺术的影响。这种影响在她的毕业设计《马列维奇的构成》中得到了充分体现，并在她的多个项目中持续发挥作用。她认为俄国至上主义艺术对她的建筑设计产生了深远影响，特别是在形式、空间和结构上。她尤其关注轻盈、飘浮、结构和轻盈落地的理念。

哈迪德与策展人奥布里斯特的对话中，她分享了关于城市规划和乌托邦的看法。她认为目前缺乏整体的城市规划，并强调合适住房的重要性。在展览设计方面，她主张多样化的策展策略，反对美术馆的刻板展示方式。此外，她还讨论了建筑与电影的关系，以及她对中亚地区发展的看法。

哈迪德在迪拜的项目中，认为迪拜是打破界限的理想之地。她提到自己的事务所正在进行的迪拜塔项目，该项目规模庞大，包含桥、证券交易所和美术馆等。她还谈到了数字化在建筑设计中的作用，以及团队工作的重要性。此外，她分享了自己对女性在建筑行业中的地位的看法，以及她如何通过乐观主义和自信来克服困难。

最后，哈迪德讨论了伦敦的城市规划和新的发展，认为城市需要更加轻盈和人性化的设计。这一系列的经历和观点，展现了哈迪德在建筑领域的独特见解和丰富经验。

19 扎哈·哈迪德

本书中的采访都经过适当的编辑，部分对话曾在其他出版物中出现过。书中涵盖了多位艺术家的访谈，包括大卫·霍克尼、多米尼克·冈萨雷斯-弗尔斯特、伊莲·斯图尔特文、欧内斯特·曼可巴、费利克斯·冈萨雷斯-托雷斯、弗兰克·盖里、格哈德·里希特、吉尔伯特与乔治双人组、路易丝·布尔乔亚、玛丽娜·阿布拉莫维奇、莫妮尔·沙鲁迪·法曼法玛恩、南希·斯佩罗、奥斯卡·尼迈耶和诺曼·福斯特、菲利普·帕雷诺、雷姆·库哈斯、理查德·汉密尔顿、SANAA建筑事务所、提诺·赛格尔、扎哈·哈迪德等。这些访谈涉及了艺术家的创作理念、艺术生涯、艺术作品等内容，为读者提供了深入了解艺术家及其作品的窗口。

